TÉCNICAS DE PINTURA

AS PRINCIPIAIS TÉCNICAS DE PINTURA SÃO:

• O Afresco;
• Pintura mural;
• Grafite;
• Pintura Corporal e Arte do Corpo:
Pintura Corporal Indígena;
Tatuagem;
Maquiagem;

OS AFRESCOS

O fresco, também conhecido como afresco[3] em Português brasileiro, é uma obra pictórica feita sobre uma parede ou teto, com base de gesso ou argamassa. Assume frequentemente a forma de mural. A técnica é utilizada desde a antiguidade, estando intimamente relacionada com a pintura italiana renascentista. Esta técnica era utilizada por gregos e romanos para representar grandes temas; antigas crônicas informam sobre decorações em fresco na Pinacoteca da Acrópole de Atenas, executadas por Polignoto de Tasos (século V A.C.), tendo como tema os frescos de Lesche. São ainda conhecidos os pintores Apeles e Antífilo (c. 310–280 a.C.) que utilizaram a mesma técnica. Estas pinturas são somente conhecidas por informações escritas. As pinturas remanescentes de frescos antigos são as de Pompeia e Herculano, que estiveram muito tempo sob a lava do Vesúvio. Sobre estes frescos, crê-se ter havido retoques feitos a seco, em "fresco seco" e encáustica. Frescos de todas as épocas podem ser admirados na Itália e vários deles são obras primas da arte Ocidental. Mestres da arte medieval, renascentista e barroca empregaram este médium (meio). Os mais célebres são Giotto (1266/7–1337), Masaccio (1401–1428), Fra Angelico (1387–1455), Piero della Francesca (1410/20–1492), LucaSignorelli (1441/50–1523), Michelangelo (1475–1564), Rafael (1483–1520), Pietro de Cortona (1596–1669) e Giovanni Tiepolo (1696–1770). As etapas do fresco são a preparação do suporte, a preparação e a colocação do arriciatto e do intonaco, os métodos de transferência do estudo para o intonaco, a pintura do fresco e criação da camada de cristalização.

EXEMPLOS DE FRESCOS:

• Leonardo da Vinci: Última Ceia
• Michelangelo: teto da Capela Sistina
• Rafael: Escola de Atenas.

O MURALISMO

Muralismo ou pintura mural é a pintura executada sobre uma parede, diretamente na sua superfície, como num afresco, num painel montado para uma exposição permanente. Ela difere de todas as outras formas de arte pictórica por estar profundamente vinculada à arquitetura, podendo explorar o caráter plano de uma parede ou criar o efeito de uma nova área de espaço. A técnica de uso mais generalizado é a do afresco, que procede na aplicação de pigmentos de cores diferentes, diluídos em água, sobre argamassa ainda úmida.

O muralismo foi cultivado nas civilizações grega e romana, embora destes tenham restado poucos exemplares, entre os quais se destacam os encontrados nas ruínas de Pompeia e Herculano. A técnica também foi muito empregada na Índia nos murais das Grutas de Ajanta, e na China da dinastia Ming. No século XIII, os trabalhos de Giotto deram extraordinário impulso à pintura mural e, a partir de então, surgiram grandes mestres dessa técnica. No Renascimento, foram criadas algumas obras-primas do muralismo, como os afrescos da capela Sistina, por Michelangelo, e a "Última ceia", de Leonardo da Vinci. Após o Renascimento, com o interesse progressivo por tapeçarias e vitrais para uso na decoração de interiores, a pintura mural entrou em decadência no Ocidente.

No século XX, a pintura mural ressurgiu, com todo vigor, em três fases principais: um gênero mais expressionista e abstrato que surgiu a partir de grupos cubistas e fauvistas, em Paris, e se manifestou nos trabalhos de Picasso, Matisse, Léger, Miró e Chagall; outro que se manifestou a partir do movimento revolucionário mexicano; e um movimento mural de curta duração, na década de 1930, nos Estados Unidos.
No México, a tradição milenar da pintura mural, também praticada por algumas culturas na era pré-colombiana, ressurgiu nas primeiras décadas do século XX, coincidindo com o movimento revolucionário. Os artistas da época viram no muralismo o melhor caminho para plasmar suas ideias sobre uma arte nacional popular e engajada.

Em Portugal existe uma variante de muralismo executada em azulejo, vulgarmente conhecida por painéis de azulejos, que consiste em murais de azulejos que têm vários tipos de expressão, desde a simples composição com azulejos coloridos até à forma clássica de desenhos que são executados antes do azulejo ser cozido.

MURALISMO - UMA FORMA DE ARTE PÚBLICA

Valéria Peixoto de Alencar*, Especial para a Página 3 Pedagogia & Comunicação

O termo muralismo, ou pintura mural, foi cunhado a partir das pinturas feitas no início do século 20, no México. Esses trabalhos eram realistas e monumentais. Contudo, a pintura feita sobre paredes é uma técnica antiga. É uma forma de arte pública, como o grafite, porém, diferentemente deste, tem estreita relação com a arquitetura, podendo explorar o caráter plano de uma parede ou criar o efeito de uma nova área de espaço. A técnica do afresco (aplicação de pigmentos de cores diferentes, diluídos em água, sobre argamassa ainda úmida) existe desde a Antiguidade. Muitas dessas pinturas ficaram conhecidas quando arqueólogos iniciaram as escavações de Pompéia, cidade destruída pelo vulcão Vesúvio. Também encontramos a mesma técnica na Índia e na China.

No Renascimento, temos importantes artistas que revigoraram a técnica do afresco, como Michelangelo e suas pinturas na Capela Sistina. Conduto, após esse período a técnica entrou em decadência, somente retornando com força no século 20, com as vanguardas europeias: fauvistas e cubistas, que faziam murais com características expressionistas e abstratas. Outro local onde a pintura mural ressurgiu no início do século 20 foi o México, momento também de forte efervescência política e social, marcado pela Revolução Mexicana (1910-20). Os artistas mexicanos viram no muralismo o melhor caminho para expressar suas idéias sobre uma arte nacional popular, engajada no momento revolucionário.

O MURALISMO MEXICANO

É durante o movimento revolucionário em oposição à ditadura de Porfírio Díaz que artistas mexicanos retomam a pintura mural, e não à toa, pois eles defendiam que a arte deveria ter alcance social, ou seja, deveria ser acessível ao povo. Daí a opção pelos murais, de caráter decorativo e/ou comemorativo, que ocupam os lugares públicos, rompendo com a pintura de telas e com os meios restritos de circulação das obras de arte, como galerias, museus e coleções particulares. Para elaborar seus murais, os artistas se inspiraram nas antigas culturas maia e asteca, na arte popular e no folclore mexicano do período colonial - e nas contribuições das vanguardas artísticas europeias, sobretudo o expressionismo. Os artistas buscavam romper com a arte acadêmica, criar uma arte original e ao mesmo tempo moderna, autenticamente mexicana.

No afresco Indústria da cana-de-açúcar, por exemplo, vemos elementos da história mexicana, como o trabalho compulsório indígena e o opressor/colonizador espanhol. Fazer murais e afrescos com o compromisso de construir uma narrativa histórica sobre o país era a preocupação dos muralistas. Diego Rivera (1886-1957) é o pintor mural mexicano mais conhecido. Ele acredita na arte como uma forma de luta contra a opressão, um instrumento revolucionário. Rivera - juntamente com José Orozco e David Siqueiros - criou o movimento muralista mexicano. O trio afirmava: "Pintemos os muros das ruas e as paredes dos edifícios públicos, dos sindicatos, de todos os cantos onde se reúne gente que trabalha”.

Expor em murais a opressão do colonizador espanhol, da ditadura porfirista e da exploração capitalista norte-americana no México era a forma encontrada pelos muralistas para chamar a atenção do povo para esses problemas. Também pintavam murais, como o ciclo da História do México (Diego Rivera, 1930-32, Palácio Nacional), nos quais o povo mexicano é enaltecido, desde suas origens indígenas até a época revolucionária.

GRAFITE

Manifestação artística muitas vezes considerada como vandalismo. Grafite é um tipo de manifestação artística surgida em Nova York, nos Estados Unidos, na década de 1970. Consiste em um movimento organizado nas artes plásticas, em que o artista cria uma linguagem intencional para interferir na cidade, aproveitando os espaços públicos da mesma para a crítica social. No Brasil, o grafite chegou ao final dos anos de 1970, em São Paulo. Hoje o estilo desenvolvido pelos brasileiros é reconhecido entre os melhores do mundo. O movimento apareceu quando um grupo de jovens começou a fazer desenhos nas paredes da cidade, ao invés de apenas escrever. É considerado por muitos como um ato de vandalismo, por sujar as paredes. Nesse caso são chamados de pichação, vistas apenas como diversão para provocar as pessoas. As primeiras expressões apareceram nos muros de Paris em maio de 1968, com a revolução contracultural. O grafite está ligado a movimentos como o hip hop. A tinta mais usada pelos grafiteiros é o spray em lata. O látex é aplicado sobre máscaras vazadas, para demarcar a região a ser pintada.

PINTURA CORPORAL E ARTE DO CORPO

A Body Paint (Pintura Corporal) é um tipo de expressão artística onde a “tela” utilizada pelo artista é o corpo. Esse tipo de pintura é muito antigo, visto ser utilizada por diversos povos da antiguidade. Em diversas culturas, além da beleza, outras finalidades são encontradas para a pintura do corpo, por exemplo, para identificar a hierarquia, o sexo, a idade. Da mesma forma, a Body Art (Arte do Corpo) utiliza o corpo como suporte de criação artística. Esse estilo ganhou força no século XX nos Estados Unidos, se espalhando pelo mundo.

PINTURAS CORPORAIS INDÍGENAS SÃO MARCAS DE IDENTIDADE CULTURAL

• Publicado: Terça, 15 de Janeiro de 2019, 18h05

Provavelmente, você já deve ter visto que os indígenas possuem pinturas corporais características, mas já se perguntou o que elas significam? Os indígenas carregam no corpo e no rosto a identidade cultural de seu povo. As pinturas são as marcas de muitas etnias e são diferentes para cada ocasião. As tintas são feitas de elementos naturais, como urucum e jenipapo, e podem manter-se na pele por um período de 15 a 20 dias. Segundo a mestranda em Antropologia Eliene Putira, que também é presidente da Associação dos Povos Indígenas Estudantes na UFPA, cada traço tem um significado. A pesquisadora ressalta que o significado das pinturas depende de cada etnia, ou seja, uma mesma pintura pode ter significados diferentes dependendo da etnia que a faz. Existem desenhos que demonstram sentimentos, desde os mais felizes até os de revolta e indignação pelos problemas enfrentados pelos povos. “Muitas pessoas fazem pinturas, porque acham bonitas, mas nem sempre as pinturas bonitas significam alegria. Muitas vezes significam luto, tristeza e passagem”, alega Eliene Putira. A professora comenta que as pinturas são, ainda, a identidade dos povos e, por meio delas, podem identificar também à qual etnia pertencem. Outra característica representada pela arte são as peles de animais como jabutis, cobras, entre outros.

PINTURA E ANCESTRALIDADE - As pinturas feitas pelos indígenas carregam uma história com uma ancestralidade muito grande por trás de cada uma delas. Essa arte indígena está muito além do valor estético, ela obedece a preceitos mágicos simbólicos e cosmológicos da sociedade que a representa. “Lembro que, uma vez, pintei minha perna com a pintura indígena de outro povo e senti minha perna pesando muito. Comentei com a pessoa que estava fazendo a arte, e ela me disse que aquela pintura era forte, pois eu iria precisar de força”, relembra Putira. Isso ocorre, porque os grafismos indígenas são mais do que simples pinturas corporais, eles carregam consigo uma força extraordinária e honrosa.

MARCA ÉTNICA - A professora e antropóloga Jane Beltrão explica que, para os indígenas, se pintar ritualmente também é uma forma de expressar os mais delicados valores de sua cultura. Uma cultura rica que possui múltiplas formas de decorar corpos e artefatos, usando criativamente os mais diversos suportes – corpos, pedras, cerâmica entre tantos outros – para sua arte. “A arte indígena é um sofisticado meio de comunicação estética, que informa aos demais sobre a diferença da qual emana força, autenticidade e valores das nações indígenas. Exibir as marcas tribais é indicar a resistência ao colonialismo, ao eurocentrismo e ao androcentrismo”, afirma a antropóloga.

Texto: Rebeca Rocha - Assessoria de Comunicação da UFPA
Fotos: Alexandre de Moraes

A HISTÓRIA DA TATUAGEM REMONTA AO MUNDO ANTIGO – E AO COLONIALISMO

Tatuagens existiam desde a antiguidade inclusive no Ocidente, mas ficaram associadas a povos “primitivos” neste hemisfério a partir da expansão dos povos europeus pelo planeta. Enquanto a maioria de nós provavelmente gostaria de esquecer a pandemia o mais rápido possível, alguns optaram por um lembrete permanente da crise de saúde – na forma de uma tatuagem. Algumas dessas tatuagens servem como uma lembrança do ano passado, retratando motivos em torno da escassez de papel higiênico, distanciamento social e outras mensagens relacionadas à pandemia. Mas aqueles que perderam entes queridos para a doença também estão usando tatuagens como memoriais. Este não é um fenômeno recente – as tatuagens sempre serviram como uma forma de as pessoas expressarem suas emoções. Como historiadora de tatuagens, sempre gosto de perguntar às pessoas de onde elas acham que as tatuagens se originaram. Ouço a menção de países como China, Japão, “algum lugar na África ou América do Sul” ou Polinésia. O interessante é que, nos últimos cinco anos em que mantenho essas conversas, ninguém até agora respondeu que as tatuagens poderiam ter se originado na Europa ou na América do Norte. As áreas geográficas que essas respostas incluem, e o que elas deixam de fora, revelam uma verdade mais profunda sobre a história das tatuagens: o que sabemos e pensamos sobre tatuagens é fortemente influenciado pela opressão, pelo racismo e pelo colonialismo.

HISTÓRIA DAS TATUAGENS

As práticas de tatuagem eram comuns em muitas partes do mundo antigo. Havia tatuagens no antigo Japão e no Egito. Os maoris da Nova Zelândia têm praticado a tatuagem sagrada Ta Mōko por séculos como uma forma de indicar quem eles são como indivíduos e também quem é sua comunidade. No entanto, nenhuma cultura pode reivindicar a primeira invenção da forma de arte. As práticas de tatuagem eram conhecidas na Europa e na América do Norte desde a antiguidade. Os gregos representavam seus tatuados vizinhos trácios, povos de língua indo-europeia, em suas cerâmicas. Os pictos, povos indígenas do que hoje é o norte da Escócia, foram documentados por historiadores romanos como possuidores de tatuagens complexas. As tatuagens mais antigas preservadas vêm de Ötzi, o Homem de Gelo, um corpo mumificado de 5.300 anos congelado no gelo descoberto nas montanhas da Itália em 1991. Em 2019, os pesquisadores identificaram agulhas de tatuagem de 2 mil anos em sítios arqueológicos de Pueblo, no sudeste de Utah (EUA). Os espinhos dos cactos amarrados com folhas de iúca ainda tinham vestígios de tinta de tatuagem.

COLONIZAÇÃO E TATUAGENS

O historiador da tatuagem Steve Gilbert explica que a própria palavra “tatuagem” é uma combinação de palavras marquesanas e samoanas – tatau e tatu – para descrever essas práticas. Os marinheiros que exploraram essas ilhas polinésias combinaram as palavras enquanto trocavam histórias de suas experiências. Surge então a questão: se as tatuagens existiam na Europa e na América do Norte desde a antiguidade, por que as culturas ocidentais se apropriaram e combinaram essas duas palavras em vez de usar palavras que já existiam em suas próprias? Como descobri em minha pesquisa, por volta de 1400, as tatuagens se tornaram uma maneira fácil de traçar uma linha entre os colonizadores europeus e os colonizados, que eram vistos como “incivilizados”. A tatuagem ainda era praticada na Europa e na América do Norte, mas muitas dessas práticas de tatuagem haviam se tornado clandestinas na época em que a colonização europeia estava em pleno andamento. Isso foi em parte o resultado de tentativas de “cristianizar” partes da Europa purgando cidades e vilas de práticas “pagãs” não conformistas e não religiosas – incluindo a tatuagem. À medida que as igrejas católicas expandiram sua influência por meio de missionários e campanhas de assimilação começando em 391 d.C., as tatuagens foram consideradas “não cristãs”.

NÃO COMO NÓS

À medida que os colonizadores ocidentais invadiam lugares como a África, as ilhas do Pacífico e as Américas do Norte e do Sul nos anos 1400 e 1500, eles encontraram grupos inteiros de povos nativos que eram tatuados. Esses indivíduos tatuados eram frequentemente apontados como prova de que os “nativos indomados” precisavam da ajuda de europeus “bons e tementes a Deus” para se tornarem totalmente humanos. Indivíduos tatuados dessas culturas foram até mesmo trazidos de volta e apresentados pela Europa com fins lucrativos. Uma mãe e seu filho indígenas tatuados, sequestrados por exploradores no final dos anos 1600 em um local desconhecido no Canadá, foram duas dessas vítimas. Um folheto de anúncio da época dizia: “Agradeçamos a Deus Todo-Poderoso por esta beneficência, que se nos declarou pela sua Palavra, para que não sejamos como esses selvagens e devoradores de homens”. As pessoas pagariam para ficar boquiabertas com esses seres humanos escravizados, fazendo de seus captores um lucro saudável e reafirmando na mente do público a necessidade de expansão europeia, qualquer que fosse o custo humano. Esse sequestro de pessoas tatuadas teve efeitos destrutivos nas culturas das quais foram tiradas, já que frequentemente os indivíduos mais tatuados, e portanto os com maior probabilidade de serem levados, eram os líderes e pessoas sagradas.

SHOWS DE ABERRAÇÕES

É importante notar que a maioria dos cativos não viveu mais do que alguns meses depois de chegar à Europa, sucumbindo a doenças estrangeiras ou desnutrição quando seus escravizadores não os alimentavam. Essa narrativa do “selvagem tatuado” foi levada ainda mais longe quando os indivíduos tatuados começaram a ser exibidos no carnaval e nos “shows de aberrações” de circos. Esses artistas não só divulgaram a narrativa de tatuagens como “selvagens” ou “diferentes”, atuando como aberrações, mas também inventaram histórias de fundo trágicas. Os artistas alegavam que haviam sido atacados e tatuados à força por pessoas marginalizadas, como os nativos americanos, que o público em geral considerava “selvagens”. Entre esse grupo de artistas foi a americana Nora Hildebrandt. Nora traçou um relato de que foi capturada por nativos americanos que a tatuaram à força.

ESTIGMA

Essa era uma história mais angustiante do que a realidade de que seu parceiro de longa data, Martin Hildebrandt, tinha sido seu tatuador. Sua história era particularmente desconcertante, já que as tatuagens de Nora Hildebrandt eram principalmente de símbolos patrióticos, como a bandeira americana. As vozes dos colonizadores ecoam até o presente. As tatuagens carregam um certo estigma nas sociedades ocidentais. Muitas vezes, elas podem acabar sendo chamadas de “escolha de vida ruim” ou “lixo”. Estudos recentes em 2014 discutem a persistência do estigma. Vejo as tatuagens como arte e uma forma de comunicar identidade. Ao responder à pergunta “de onde vêm as tatuagens?”, eu diria que elas vêm de todos nós, independentemente do que os primeiros colonizadores quisessem que as pessoas acreditassem.

* Allison Hawn é professora na Universidade Estadual do Arizona (EUA).
** Este artigo foi republicado do site The Conversation sob uma licença Creative Commons. Leia o artigo original aqui.

CORPOS MARCADOS: A HISTÓRIA DA TATUAGEM NO BRASIL

De símbolo marginal a ícone da cultura pop, tatuagem no nosso país tem sua história reconstituída em estudo. Por muitos anos considerada uma marca de indivíduos marginalizados e hoje presente em todas as classes sociais, a tatuagem europeia começou a se espalhar pelo mundo a partir do século 15, por intermédio de marinheiros e aventureiros que, durante expedições marítimas, marcavam seus corpos com técnicas improvisadas nos navios e portos onde atracavam. No Brasil, apesar do registro de diversos povos indígenas que se tatuavam antes da chegada dos colonizadores, a prática de gravar imagens na pele demorou mais tempo para disseminar-se entre alguns poucos grupos. Foi no século 19, com navegadores não apenas europeus, mas também norte-americanos e do Oriente Médio. Em comum, havia o fato de adotarem a prática como forma de expressar sentimentos, identidade religiosa ou pertencimento nacional.

Inicialmente objeto de estudo da área de criminalística, a tatuagem passou a ser investigada nas últimas décadas, no Brasil, em outros campos do saber. Pesquisa da historiadora Silvana Jeha realizada com bolsa da Biblioteca Nacional, por exemplo, recompõe a história da tatuagem no meio urbano brasileiro entre o século 19 e 1970, década em que a prática começou a dissociar-se da ideia de marginalidade. A partir de levantamento em diferentes fontes documentais, o estudo identificou o perfil dos grupos sociais tatuados, buscando compreender o significado da prática para cada um deles. Levou cinco anos para ser concluído e foi publicado no livro Uma História da Tatuagem no Brasil: Do Século XIX à Década de 1970 (Ed. Veneta, 2019, 352 págs.), com farta iconografia.

“Até a década de 1960, não havia um estabelecimento dedicado à tatuagem. A prática era improvisada em qualquer lugar: em navios e nos cais, nas ruas, em bares, locais de ritos religiosos de matriz africana, quartéis e prisões, com agulhas, mas também com objetos improvisados como espinhos, cacos de vidro e facas”, conta Jeha, que desenvolve pesquisa de pós-doutorado no Programa de Teoria Psicanalítica do Instituto de Psicologia da Universidade Federal do Rio de Janeiro (UFRJ). O material utilizado para dar cor às imagens também variava bastante. “Os pigmentos envolviam o uso de graxa, anil, fuligem de maço de cigarro e combustão de querosene, anilina preta, carvão vegetal, entre outros”, relata a historiadora.

A HISTÓRIA DOS COSMÉTICOS E DA MAQUIAGEM

A palavra cosmético vem do grego que significa “o que serve para ornamentar”. Os cosméticos surgiram no Oriente na Antiguidade e se espalharam pelo resto do mundo. Usa-se óleos, essências de rosa e de jasmim e tinturas para cabelos. A alta sociedade de Roma tomava banhos com leite de jumenta para embelezar a pele. Na idade média, o açafrão servia para colorir os lábios; o negro da fuligem, para escurecer os cílios; a sálvia, para branquear os dentes; a clara de ovo e o vinagre, para aveludar a pele.

É no antigo Egito que vamos encontrar os primeiros testemunhos do uso dos cosméticos. Os faraós tinham nas perucas coloridas formas de distinção social e consideravam a maquilagem dos olhos ponto de destaque fundamental para evitar olhar diretamente para Rá o deus do sol. As misturas de metais pesados davam o tom esverdeado para impregnar e proteger as pálpebras dos nobres. É também com a civilização egípcia que surge distinção: mulher de pele clara e homem com a pele escura. Cleópatra imortalizou seu tratamento banhando-se em leite, cobrindo as faces de argila e maquilando seus olhos em pó de Kohl. Pele clara obsessão universal.

Dizia-se que Popéia tinha a pele muito branca graças ao resultado de constantes banhos em leite de jumenta. Ela lançou moda e todas as romanas abastadas eram dadas às máscaras noturnas, onde ingredientes como farinha de favas e miolo de pão se combinavam ao leite de jumenta diluído para formar papas de beleza. Mas a verdade é a bela complementava seu tratamento de clareamento da pele maquilando as veias dos seios e testa com tintura azul. Esta aparência translúcida foi imitada em misturas de giz, pasta de vinagre e claras de ovos durante muitas décadas.

Conta a lenda que Psyche foi buscar no inferno o segredo da pele branca da deusa Vênus, trazendo a cerusa, ou alvaiade, para compor suas formulas mágicas. Até a Renascença italiana esse mesmo alvaiade era usado durante o dia pelas lindas mulheres nobres, que a noite cobria suas faces com emplastros de vitelo cru molhado no leite a fim de minimizar os efeitos nocivos causados pelo alvaiade. O kama Sutra, escrito entre o século I e IV, define a mulher ideal como Padmini, aquela que tem “... a pela fina, macia e clara como o lótus amarelo...” No Japão, do século IX ao XII período de aheian, a valorização da pela branca era regra geral. Para obter aparência extremamente branca as mulheres aplicavam um pó espesso e argiloso feito de farinha de arroz, chamado de oshiroi. Depois passaram a também à usar o beni, pasta feita do extrato de açafrão, para colorir as maçãs do rosto.

Aproximadamente em 150AC o físico Galeno criou o primeiro creme facial do mundo, adicionando água à cera de abelha e óleo de oliva. Mas tarde o óleo de amêndoas substituiu o azeite e a incorporação de bórax contribuiu para a formação da emulsão, minimizando o tempo de processo. Estava ai a primeira base para sustentar os pigmentos de dióxido de titânio e facilitar a aplicação na face; nascia a base cremosa facial.

Mas nem só de aprovação caminhou a história dos cosméticos coloridos. Na Roma antiga a indignação masculina frente aos artifícios femininos de usar produtos para maquilagem está registrada em obras imortais, como escreveu Ovídio “... Seu artifício deve permanecer insuspeito.

Como não sentir repugnância diante da pintura espessa em sua face se dissolvendo e escorrendo até seus seios? Por que tenho que saber o que torna a pele tão alva?...”Andreas de Laguna, o médico espanhol do Papa Julius III, dizia que a maquilagem das mulheres era tão espessa que dava para cortar “a nata da torta de queijo de cada uma das bochechas”

A BELEZA NA MIRA DA IGREJA

Os lideres religiosos expressavam sua indignação contra o uso de artifícios coloridos. No relato de São Jerônimo fica evidente a reprovação do ato de maquilar-se, visto como a força do mal e da impureza. “... O que faz essa coisa púrpura e branca no rosto de uma mulher cristã, atiçadores da juventude, fomentadores da luxúria, e símbolos de uma alma impura?...”

PROPAGANDA X BRUXARIA

No final do século XVIII, o parlamento inglês recebeu a proposta de uma lei que tentava impor sobre as mulheres a mesma penalidade por adornos que era imposta por bruxaria. O termo desobrigava de suas responsabilidades os maridos que haviam casado com uma “máscara falsa”.

“Todas as mulheres que à partir deste ato tirarem vantagem, seduzirem ou atraírem ao matrimônio qualquer súdito de sua majestade por meio de perfumes, pinturas, cosméticos, loções, dentes artificiais, cabelo falso, lã de Espanha, espartilho de ferro, armação para saias, sapatos altos ou anquilhas, ficam sujeitas à penalidades da lei que agora entra em vigor contra a bruxaria e contravenções semelhantes e que o casamento, se condenadas, seja anulado...” è hilária a carta publicada no jornal britânico The Spectator, no ano de 1711, onde um marido aflito desabafa... ”Senhor, estou pensando em largar minha mulher e acredito que quando o senhor considerar o meu caso, a sua opinião será a de que as minhas pretensões ao divórcio são justas.

Nunca um Homem foi tão apaixonado como eu pela sua fronte, pescoço e braços alvos, assim como a cor do azeviche de seus cabelos. Mas para meu espanto descobri que era tudo feito de arte: sua pele é tão opaca com esta prática, que quando acordou de manhã, mal parecia jovem o suficiente para ser mãe de quem levei para a cama na noite anterior. “Tomarei a liberdade de deixá-la na primeira oportunidade, à menos que seu pai torne sua fortuna apropriada às suas verdadeiras, e não supostas, feições...” O rei Henrique VIII mandava pintores retratarem suas pretendentes matrimonias, pedindo às pessoas que cercavam a rapariga que respondessem um extenso questionário sobre a futura esposa. As instruções previam saber como era o rosto, se estava pintada e se havia algo “perto dos lábios” referindo-se ao uso de batons e brilhos. Elizabeth I, a rainha virgem, que assim ficou famosa por ter morrido sem se casar, usou até o fim de seus dias as faces cobertas de branco, as maçãs pintadas com círculos vermelhos definidos e a cabeça coberta por uma peruca de cabelo ruivo e dourado.

Mas apesar da postura da igreja e dos costumes rígidos, os desenvolvimentos científicos o ato de pintar os lábios tornou-se moda desde o século XVI, quando as pomadas coloridas tornaram-se mais acessíveis e seguras. Ainda no século XVI a preocupação com a higiene pessoal foi deixada de lado, o que ironicamente contribuiu para o crescimento do uso de maquilagem e dos perfumes. É somente no século XX, com os avanços da indústria química fina que os cosméticos se tornam produtos de uso geral. Em 1921, Paris é palco de uma verdadeira revolução na história do batom; é a primeira vez que um produto desta categoria é embalado num tubo e vendido em cartucho. O sucesso é tal que em 1930 os estojos de batons dominam o mercado americano, trazendo nova fase para o desenvolvimento destas formulações. A morena Marilyn Monroe usava maquilagem clara e pintava lábios vermelhos intensos, atraindo e intensificando sua feminilidade.

O maquilador americano Kevyn Aucoin conta que em 1967, ainda criança confundiu a maquilagem branco-rosada intensa de uma vendedora de cosméticos com a aparência deixada pela aplicação de loção de calamina. Esta mistura de óxido de ferro vermelho e óxido de zinco era muito usada, na época, para aliviar o desconforto causado pela picada de insetos. A ingenuidade de kevyn levou-o a comentar com a moça como ele estava penalizado por sua dor! Como resposta deparou-se com um silêncio sepulcral, que só foi entendido pelo menino quando sua mãe, já a caminho de casa explicou que se tratava de maquilagem e não de remédio... Na década de 70 as cores de maquilagem tornaram-se populares, acompanhando as coleções de alta costura francesa italiana e inglesa.

Cada vez que um grande costureiro lançava uma nova coleção de cores e formas para as roupas lá vinha um tom de sombra especifico para os olhos, uma nova cor de boca. Dior, Chanel, Yves Saint Laurent e todos os grandes ousavam e enchiam os olhos das mulheres de todo o mundo com suas criações cada vez, mas tentadoras. E è no final da década de 80 que entram em lançamento as fórmulas evoluídas para cosméticos pigmentados. As beiras do novo milênio finalmente entram em cena as fórmulas baseadas em tecnologia de vanguarda, cujo uso garante propriedades bem interessantes para a nossa beleza, como protetor solar, umectação e controle do envelhecimento da pela. Nos anos 90 a era do beneficio visível ganha importância vital. haute couture toma rumos inteligente nesta nova era. Estilistas ingleses com John Galliano e Alexander McQueen vêm dar uma ventilada nas conservadoras Dior e Givenchy, alterando mais uma vez a história da moda & make-up. Hoje podemos nos beneficiar do produto que cobre e trata a pele, limpa, perfuma e protege os cabelos, como nunca antes na história da humanidade.

A evolução do mundo retratada através da Maquiagem

Cada década teve sua história, seu estilo. O século 20 foi veloz e revolucionário. Conheça um pouco mais sobre as influencias da história na moda e na maquiagem.

Anos 30
Olhos sofisticados e provocantes
Sobrancelhas totalmente depilada e redesenhada com lápis, num traço fino, ousado e marcante. Sombras de pálpebras em pó exploravam todos os matizes, indo dos castanhos aos cinzas, e inclusive ao preto para noite. Os cílios cuidadosamente recurvados e cobertos por máscaras para cílios. Par evitar todo o excesso considerado vulgar, a maquiagem da boca ornou-se muito discreta.

Anos 40
Olhos armados de guerra
A beleza, sinônimo de saúde, era considerada, um dever nacional.
Os efeitos da guerra abalaram o mundo e o mercado de cosméticos teve uma queda em função da falta de matérias primas.
Graxas para as botas serviam como máscaras para cílios, o carvão, como sombra de pálpebras, a graxa para sapatos como tintura as sobrancelhas e pétalas de rosa embebida em álcool produziam um blush liquido da era vitoriana. Ao longo de todo o conflito, as estrelas usaram cabelos longos, um modo de exprimir feminilidade numa época em que muitos outros meios não eram acessíveis.

Anos 50
Olhos de gazela.
Modelados pela sombra nas pálpebras, o lápis de sobrancelha, a máscara para cílios e, sobretudo o delineador. A importância da maquiagem dos olhos trouxe uma infinidade de criações e formulações de produtos.
A maquiagem realçava a palidez da pele e a intensidade dos lábios. Os pós-de-arroz e compacto estavam mais presente.

Anos 60
Olhos de adolecente.
Ultra-maquiados transparecendo uma ousadia inocente.
Na mesma época, surgiram as minissaias e as mulheres começaram a deixar de lado o clássico e então “ultrapassado” visual fatal.
A feminilidade transitava entre o comportado e o irreverente. As cores eram fortes, puras, verdadeiras: rosa - choque, dourado, verde, violeta e laranja.
Os anos 60 marcaram o inicio da cultura pop americana.

Anos 70
Olhos em busca de liberdade.
A beleza toma um aspecto moral e psicológico. Não existem mulheres feias, há somente mulheres que ainda não se conhecem. Pela primeira vez na evolução

da beleza, homens e mulheres podiam escolher sua aparência seguindo seu estilo de vida pessoal, e não somente as exigências da moda. A maquiagem e os cortes de cabelo se tornaram, mais que nunca, meios de expressão de escolhas.
Cabelos livres, pele bronzeada e lábios brilhantes fizeram dos anos 70, uma década de beleza explosiva.

Anos 80
Olhos cheios de movimentos
Sob as luzes estroboscópicas, a juventude dourada e coberta de lantejoulas tinha os lábios muito vermelhos, os olhos pintados de azul-elétrico e as maças do rosto realçadas por blushes cor de tijolo. Os códigos da beleza começavam a mudar acordo com as estações do ano. A sombra passava do castanho ao violeta e era esfumaçada, em arco Iris. Os cílios eram alongados com máscaras coloridas (verde relva e azul piscina) e a prova d'água. No topo dos anos 80, triunfava Madonna, que foi um marco da década em que era proibido “fraquejar”. A beleza virou competição e as mulheres passaram a cuidar muito do corpo. Os músculos demonstravam que elas não seriam, mas intimidadas.

Anos 90
Olhos menos cintilantes e mais decadentes.
Cansada dos agitos dos anos 80, as mulheres dos anos 90 apresentam uma beleza esquálida e perturbadora que representa uma sociedade em fase de mutação.
Tatuagem e piercings fazem do corpo um campo de expressão da feminilidade “debochada”.

De 2000 aos tempos atuais
Olhos espirais levam ao túnel do tempo.
Fragmentos de todas as décadas passadas se misturam e contam um pouco da história da beleza através dos tempos. Com a chegada do novo milênio, os diversos aspectos adotados pela beleza nos serviram de espelho. A aparência, em manifestação diversas e imagens extremas, refletiram os processos de transformação. Os dois últimos anos misturam todos os possíveis estilos de moda e maquiagem. Trazem a classe e a elegância do inicio do século, a delicadeza sexi dos anos 60, a irreverência dos anos 80 e a “apatia” em tom de protesto dos anos 90.

Os Marcos da História dos Cosméticos através do tempos

300 A.C – Os primeiros registros da utilização de cosméticos datam do Egito antigo. Os egípcios pintavam os olhos para evitar a contemplação direta do deus Sol. Para tanto, recorriam a gordura animal e vegetal, cera de abelhas, mel e leite no preparo de cremes para pele.

1900 – O século XX inaugura a era da indústria dos cosméticos. Em 1910 Helena Rubinstein abre, em Londres, o primeiro salão de beleza do mundo.

Onze anos depois, em 1921, pela primeira vez o batom é embalado num tubo e vendido em cartuchos para consumidoras.

Anos 50 – Políticas de incentivo trazem para o Brasil gigantes do porte da americana Avon e da francesa L’oréal. Essas empresas lançam novidades como a venda direta e produtos para o publico masculino. A maquiagem básica compunha-se de pó-de-arroz e batom.

Anos 70 e 80 – Cores de maquiagem tornam-se variadas ao acompanhar os matizes das coleções de alta costura italiana, francesa e inglesa. Os filtros solares desembarcam em território brasileiro. Aparelhos a laser e os ácidos retinóicos e glicólicos começam a ser empregados no tratamento de rugas e manchas.

Anos 90 – O tempo entre a aplicação do cosmético e o aparecimento do efeito prometido na bula diminui de 30 para menos de 24 horas. Surgem os cosméticos multifuncionais, como batons com protetor solar e hidratantes que previnem o envelhecimento.

Século XXI - Os alfa-hidroxiácidos, utilizados em cremes para renovar a pele tendem a ser substituídos por enzimas, mais eficazes. Outra tendência é a descoberta de nova s matérias-primas, com várias funções. As pesquisas avançam na direção da manipulação genética para melhorar a estética. O século XX foi decisivo para solidificação da cosmetologia como ciência, mas a significativa evolução dos cosméticos aconteceu realmente nos últimos 50 anos quando eles deixaram definitivamente o mundo dos preparados caseiros e ganharam caráter industrial. Neste momento as necessidades das pessoas já não são como antigamente, resumidas ao patamar da beleza, o consumidor anseia por cosméticos que ofereçam muito mais... hidratação e nutrição em profundidade, proteção dos agentes externos, juventude e correção das danificações e imperfeições da pele, cabelos, unhas e todos os seus anexos. Assim sendo, nosso velho e bom cosmético que exercia função apenas na aparência, para poder atender a este novo comportamento do consumidor, precisou buscar meios de evolução, meios que viabilizassem níveis de atuação mais intensos para garantir beleza sim, mas primordialmente saúde. As pesquisas em princípios ativos e matéria primas especificas evoluem num ritmo aceleradissimo e presenciamos a chegada da era dos cosméticos de tratamento a era dos chamados cosmecêuticos. Os cosméticos foram assim chamados porque são cosméticos farmacêuticos, ou seja, possuem ingredientes farmacologicamente ativos, o que lhes confere características intermediárias entre cosméticos e um medicamento, nem tão potente e cheio de reações adversas quanto um medicamento, mas nem tão superficial quanto um cosmético comum. Hoje em pleníssimo século XXI, vivemos tempos de tecnologia avançada, em que já se conhece o mapeamento completo do genoma humano, que usamos células tronco para a cura de uma série de doenças, que modificamos geneticamente nossos alimentos e até possuímos o poder da

clonagem, é claro que cosmetologia também acompanhou toda esta amplitude deste mundo globalizado. Hoje a cosmetologia, é uma categoria totalmente organizada, que existe com embasamento reais e científicos e com capacidade de comprovar eficácia de cada produto fabricado.
Hoje a cosmetologia é um dos segmentos que mais cresce em todo mundo e em termos de produção, o Brasil além de ocupar o primeiro lugar da América Latina, já é o sétimo país no ranking mundial. A cosmetologia na verdade, não é mais uma única ciência, e sim uma ciência multidisciplinar, ou seja, ela é usada como suporte indispensável para otimizar as práticas de profissionais de todos os segmentos científicos. Dentre estes segmentos podemos, podemos citar:
• A farmacologia cosmética que além de trabalhar na manipulação de medicamentos, também manipula diversos tipos de cosmecêuticos de maneira personalizada.
• A química cosmética que fabrica em escala industrial e também pesquisas e inova a cada dia os princípios ativos e as matérias primas empregadas nos mais variados tipos de cosmecêuticos.
• A biotecnologia que hoje representa o futuro dos cosmecêuticos, trabalhando com os mais modernos instrumentos de engenharia genética.
• A psico-cosmetologia, praticada por profissionais da psicologia e neurologia que se utiliza dos cosmecêuticos junto à diversos recursos, como a PNL (programa neuro lingüística) para melhorar a performance dos tratamentos de seus pacientes.
• A dermato-funcional, praticada por fisioterapeutas que unem práticas já tradicionais, a força terapêutica da cosmetologia.
• A cirurgia plástica que institui o uso do cosmecêutico no acompanhamento de muitos dos seus procedimentos.
• A fitoterapia, que se utiliza dos mais ricos extratos vegetais para a produção de cosmecêuticos naturais, inclusive com fins curativos.
• A estética cosmiátrica praticada por esteticistas que diga-se com louvor foram os primeiros profissionais, a saber, explorar o potencial dos cosmecêutico.
Enfim, são muitas as categorias profissionais que podem se utilizar da cosmetologia como forte aliada. Não podemos deixar de dizer que o crescimento da cosmetologia exerce inclusive um papel social, pois tornam cada vez mais acessível, os cuidados cotidianos que todo individuo merece ter. Até o publico masculino que durante tanto tempo afirmou que cosmético é coisa de mulher, já se rendeu aos cuidados oferecidos pela cosmetologia e percebeu que isso é bem estar e qualidade de vida. Mas vale também ressaltar que a cosmetologia é uma ciência inexata. Como pudemos observar ao longo desta abordagem história, as verdades de ontem podem não ser as de hoje ou de amanhã, por isso conhecimentos sólidos e aperfeiçoamento são fundamentais e necessários sempre, para que sejamos profissionais realmente representativos numa categoria tão linda e expressiva.